Como anuncia el subtítulo de esta reseña, siempre ha habido y habrá directores que decidan darle una oportunidad a un género como es el slasher. El tiro puede salir por la culata, y no sólo porque en él está todo inventado, sino porque siempre ha trabajado con unos esquemas muy limitados, en los que innovar se ve desde forzado a irreverente, o peor, traidor. Con todo, es posible facturar un buen título, y todos sabemos que no hace falta ser original para hacer una buena película, siguiendo tan recurrente adagio en el mundo del celuloide.

Me hubiera gustado ensalzar Billy Club, ponderando su cinematografía, originalidad y estilo, pero me temo que serán pocas las cosas de las que podré hablar bien. Además, aunque me cueste, intentaré no ser injusto y cebarme con factores claramente ligados a lo limitado del presupuesto, como el elenco actoral o la fotografía. Es obvio que los fondos no daban para fichar a Anthony Hopkins o para agenciarse un equipo luminotécnico espectacular, pero sí hay aspectos que se podrían haber mejorado para redondear un producto más presentable.

Lo cierto es que Billy Club comienza bien y va desinflándose irremediablemente, aunque en la parte final remonta levemente el vuelo. En sus primeros quince minutos se pone toda la carne en el asador, y se inquieta al espectador – en el buen sentido – con planos muy cercanos de maquinaria y objetos, explicitando la metódica labor de un asesino muy concienzudo, en la línea de Maniac o El asesino de la caja de herramientas. La narrativa también es heterodoxa pero acertada, con flashbacks bien insertados, que desmenuzan todo para que quede claro desde el principio qué clase de película se va a ver. Los crímenes, bastante gráficos, no tardan en aparecer, y el asesino posee cierto carisma, vestido de cátcher de baseball y pertrechado con los habituales útiles, en su versión más descerebrada.

Desde el momento en que mis ojos se posaron sobre el trailer de la cinta que voy a reseñar surgieron unas ganas locas de hincarle el diente. Esta mezcla entre found footage y mockumentary (están a un 50 por ciento) prometía una buena idea y una colección de escalofríos de gran intensidad… Aunque el resultado me decepcionó en lo referente a terror, lo cierto es que The taking of Deborah Logan contiene originalidad a raudales y resulta un film la mar de disfrutable que además, y en contra de lo que nos suele deparar este género, contiene un comienzo, un nudo y una conclusión clara y definitiva (y por dios que esto se agradece después de ver mil cortes bruscos o muertes fuera de campo…).

Un grupo de jóvenes cineastas preparan un documental sobre el alzhéimer y sus consecuencias, no sólo en el paciente sino también en sus cuidadores. Con este fin, contactan con Sarah (Anne Ramsay) para seguir el proceso degenerativo de su madre Deborah Logan (Jill Larson) que está comenzando las primeras fases de esta terrible enfermedad. Pronto empezarán a sospechar que los huecos de la mente de nuestra protagonista están siendo ocupados por una fuerte y siniestra presencia.

Una mutación del virus del ébola hace que la gente se convierta en zombis infectados y procedan a sembrar el caos entre los escasos supervivientes. Asi es, esta vendría a ser la sinopsis corta de Ebola Zombies; y supongo que muchos ya estáis pensando “¡menuda pandilla de cabronazos oportunistas!”. No nos precipitemos…. Es posible que el tal Samuel Leong, director y protagonista del evento, tuviera la película en su cabeza mucho antes de que estallara un nuevo brote de la brutal enfermedad que está asolando el continente africano. Error. Hace apenas unas semanas la película se titulaba SARS Zombies, pero supongo que lo del Síndrome respiratorio agudo y grave, significado del acrónimo SARS, se iba a vender mucho peor que lo de Ebola Zombies; por lo tanto supongo que nada nos impide afirmar que, efectivamente, estamos ante una pandilla de oportunistas sin demasiados escrúpulos.

Pero una cosa no quita la otra… En la reciente edición del American Film Market Ebola Zombies consiguió distribución para Japón y Alemania. Un tipo llamado Rob Hauschild, que era el encargado de vender la película, cuenta como la gente que se paseaba por el AFM se paraba a contemplar el cartel de Ebola Zombies e incluso se hacían selfies con el cartel a sus espaldas. Aunque también comenta, en un tono irritantemente jocoso, como “Había dos señores africanos que se detuvieron junto al cartel y tuvieron una conversación en su idioma. No parecían tan felices”. La pregunta, llegados a este punto, sería: ¿Hubieran logrado vender la película con tanta rapidez si hubieran mantenido el título original? ¿Quién sabe? Sea como sea Ebola Zombies es una realidad, y el trailer es una castaña de mucho cuidado. Por lo menos a mí me ha servido para recordarme que todavía tengo pendiente de ver Ebola Syndrome, la locura que Herman Yau dirigió en 1996.

Han pasado 65 años desde que el asesino fantasma aterrorizase a la pequeña localidad de Texarkana. Y casi 40 desde que Charles B. Pierce dirigiera la película “The Town That Dreaded Sundown”, sobre dichos asesinatos. Texarkana ha recuperado la calma e intenta superar su pasado traumático. Entre otras estrategias para conseguirlo, proyecta la película en el cine del lugar, algo que divide a la población. Durante uno de estos pases, Jami (Addison Timlin) y Corey (Spencer Treat Clark) deciden abandonar el cine y buscar un lugar apartado en Lover’s Lane, una zona alejada que solían frecuentar jóvenes parejas en los años 40 y, sí, donde se cometieron los crímenes del asesino fantasma. Contra todo pronóstico, éste hace su aparición, y ataca a la pareja. A partir de ese momento, Jami, hija de periodistas del lugar, tendrá una misión: que la historia del enmascarado no se olvide y salga a la luz. Pero… ¿quién, 60 años después, está dispuesto a continuar el legado del asesino fantasma?

¿Reboot? ¿Remake? ¿Secuela?

The Town That Dreaded Sundown se presenta como una suerte de cóctel de naturaleza mixta: podría ser un remake de la película de 1976, pero también un reboot de la misma y, definitivamente, una secuela. Y durante todo su trayecto, no se decanta por ninguna de las tres opciones. Las desarrolla, de hecho, y consigue mantener el tipo hasta el final. No es necesario haber visto la anterior, pero la parafrasea constantemente. Así, tal y como Joan nos aventuraba cuando nos habló de la misma, la saga Scream, en especial la segunda y la tercera parte, parecen convertirse en referentes involuntarios, aunque aquí no hay rastro de ironía ni autoparodia. Tampoco se las echa en falta.