Mitchell y Carter son dos viejos amigos que en los últimos tiempos se han distanciado. Con el objetivo de recuperar su vieja amistad emprenden un viaje por carretera en la vieja y destartalada camioneta de Carter, que no tarda demasiado tiempo en dejarles tirados en mitad del desierto. Las horas pasan y la dureza del desierto empieza a pasar factura. Ambos empiezan a cuestionarse las decisiones que toma el otro, hasta que el malestar y la agitación les conducen a la confrontación física, a la locura y al inicio de una lucha brutal por la supervivencia.

Hay películas en las que una lectura rápida de su argumento o sinopsis, es suficiente para llamar poderosamente mi atención. Scenic Route es una de esas películas. El debut en el largometraje de los hermanos Goetz (Kevin y Michael) tiene esa cualidad: atrapar al primer vistazo. Supongo la causa de todo ello hay que buscarla en la originalidad de su planteamiento inicial. Dos amigos de la infancia atrapados en el desierto y que acaban enfrentados en una especie de combate a muerte. La pregunta es obvia: ¿Cómo es posible? ¿Cómo pueden llegar a ese extremo los personajes interpretados por Josh Duhamel y Dan Fogler? ¿Cuál es el detonante de ese deterioro brutal de la amistad que existe entre ambos? Todos estos interrogante son, precisamente, los que a mi entender hacen interesante una premisa como la que presenta Scenic Route.

Ingrid está a punto de cambiar de ciudad para ir a la universidad y Tina, su mejor amiga, teme que este cambio pueda separarlas. Junto con sus amigos acampan en un bosque para compartir los últimos momentos antes de que sus vidas cambien con la llegada de los nuevos estudios. No les hace falta nada más que su propia compañía para estar bien, pero en medio de la tranquilidad del bosque se encontrarán con otro grupo de personas dispuestas a demostrarles que ese vínculo no es tan fuerte como ellos creen.

Esta es la sinopsis de El árbol sin sombra, el nuevo proyecto del joven director catalán Xavier Miralles, de cuyo debut cinematográfico en Ocho os hablamos hace apenas unos días. El árbol sin sombra, escrita a cuatro manos por el propio Xavier Miralles y por Cati Moyà, se postula como un drama de horror que trata sobre las relaciones humanas y sociales, sobre la inocencia de la juventud y la ruptura de esa época de la vida tan feliz donde las aspiraciones de futuro todavía no se han visto frustradas. Los chicos de Totem Producciones, la productora que está sacando adelante el proyecto, pretenden mostrar una historia diferente que involucre al espectador con temas que son fundamentales en nuestras vidas como la amistad, el paso a la madurez, la confianza y la necesidad de tener vínculos sociales.

Railway Children es un curioso drama indie-postapocalíptico que nos llega desde Irlanda de la mano del director Jason Figgis, del que aprovecho para recordaros que su nueva película The ecstasy of Isabel Mann se encuentra aún en proceso de financiación vía Indiegogo, por si os animáis a contribuir. Lo mejor de encontrarse con una película como Railway Children es lo arriesgado de su argumento. Quizá suene algo estúpido, o incluso a simple patochada en una primera instancia; pero os aseguro que el argumento de Railway Children es lo suficientemente original como para incitarnos a darle una oportunidad. Os pongo en situación:

Dos hermanas, Evie y Fran, han perdido a sus padres tras un cataclismo viral que ha afectado a todo el planeta. Ahora lo único que les queda es vagar de aquí para allá, en busca de recursos y de un cobijo seguro. Hasta que, por fin, llegan a una casa atestada de niños y adolescentes como ellas.

Otra característica trascendental del argumento, que además da título a la película, radica en observar como, a medida que Evie y Fran se adentran en esa nueva realidad que les ha tocado vivir, irán leyendo pasajes del libro The Railway Children, de Edith Nesbit. Es evidente que lo que busca Figgis con la idea de introducir el libro de Nesbit en la vida de nuestras protagonistas es establecer una unión mucho más intimista que la sempiterna relación libro-lector, principalmente porque la obra de Nesbit servirá a Evie y Fran como vía evasiva y empática con la que hacer frente la distopía en la que se encuentran sumergidas. Lo que Evie y Fran encuentran en la novela de Nesbit es la esperanza de recuperar a sus padres, y de ahí nace su motivación por introducir el libro en sus vidas. Es más, llega a ser tal la evasión a la que les induce el libro que incluso veremos, durante el transcurso de la película, cómo priorizan su lectura a la necesidad de saciar su hambre, olvidándose por completo de la realidad.

Alba Aiello, es una escéptica y solitaria policía de treinta y cinco años que se ha refugiado en un pueblo perdido. Allí intenta olvidar, y sobre todo esconder, su oscuro pasado. Pero una familia entera comienza a aparecer incinerada… Uno tras otro, todos en posición de rezo, y sin explicación racional posible. A pesar de los vínculos y pistas religiosas (en cada una de las muertes se aparece la Virgen María), Alba niega la ayuda del sacerdote local y accede a ser guiada por el Mago, un maltratado niño clarividente de once años, que poco a poco la introduce en un mundo paranormal en el que ella jamás hubiera creído y para el que no parece estar preparada.

El próximo 12 de Junio se estrenará en España, en formato VOD (a través de Filmin) el thriller sobrenatural La Segunda Muerte. La película, dirigida por el argentino Santiago Fernández Calvete, pudo verse en la pasada edición del Festival Internacional de Sitges, dentro de la sección Oficial Fantàstic Panorama en competición. La Segunda Muerte cuenta una historia inquietante, de tintes sobrenaturales y religiosos, dentro del marco de una trama policial. Santiago Fernández se apresura a incluir su propuesta dentro del género de la fantasía, un género y un término que, según palabras del propio director argentino, está actualmente en desuso. Santiago también señala que a la hora de elaborar el guión de La Segunda Muerte no se casó con ningún género. Lo importante para él era la historia, sin necesidad de incluirla dentro de ningún género o subgénero en concreto. Por esa razón al director argentino le gusta definir su película como una muestra “de género y de autor a la vez”.